Combat de negre i de gossos

Combat de negre i gossos està considerada una de les obres més senzilles del famòs dramaturg francès que va morir, amb només 41 anys, després d’escriure un corpus literari d’onze peces dramàtiques. Un conjunt força ignorat fins que Patrice Chéreau va començar a representar-lo i a difondre’l pel territori francès, primer, i europeu, més tard, al llarg dels anys 80.

Una de les característiques de les obres de Bernard-Marie Koltès és la capacitat per descriure, de forma metafòrica, un indret, un sentiment, un fenomen o aspecte de la vida amb un llenguatge senzill però poètic, directe i ple. A través d’uns personatges que conformen un univers en si mateix i que transmeten al públic una impressió física, tangible, de carn i ossos, sobre allò del que parlen.

En aquesta ocasió, Koltès ens parla de l’Àfrica, de l’explotació obrera, del racisme, és clar, del capitalisme i del model de vida occidental enfrontat a altres formes o possibilitats de passar per aquest planeta. També del masclisme i de la identitat nacional. Ho fa a través d’alguns personatges xerraires, que contrasten amb d’altres que gairebé no parlen, o que fan servir un discurs més simbòlic, poètic, i és aquí on el seu teatre agafa més força.

Els intèrprets treballen a un excel·lent nivell. Dirigits amb intel·ligència per Roberto Romei, destaca un Manel Dueso que, després de molts anys de carrera, s’entrega amb total despreocupació i solidesa a un paper aspre, incòmode, que representa el poder econòmic que no vol ni pensar les responsabilitats morals o ètiques que aquest comporta.

L’escenografia de Roger Orra i Albert Ventura, els audiovisuals de Lluís Mira, el so de Jordi Collet, tot funciona a la perfecció sota un precisa batuta que aconsegueix un espectacle rodó a nivell tècnic, que potser es fa una mica llarg, acostumats, avui dia, a propostes més sintètiques — obres de 60 o 70 minuts.

I és que potser hem perdut la paciència per gaudir de construccions dramàtiques més temperades —slow-theatre?—, més típic dels anys 70 o 80, quan una obra es construïa, tranquil·lament, al llarg de 120 o 150 minuts, i arribava, també, més profund en la nostra experiència com a espectadors.

Nos situamos en una zona del África indeterminada, concretamente en una vivienda construida en la zona de unas grandes obras de carreteras, edificios y puentes. En esta localización se encuentra un hombre grande y cansado, patrón del trabajo que se está haciendo en este lugar. Mientras busca el whisky para calmar sus nervios, al otro lado de la valla que “protege” el sitio aparece un hombre vestido todo de blanco que ha ido hasta allí para reclamar que le den el cuerpo de su hermano muerto en la obra.

A partir de este momento empieza una reflexión sobre colonialismo, racismo y la falta de humanidad, pero también la necesidad de sentirse conectado/da con alguien o arraigado/a en una sociedad o lugar.

En esta obra Bernard-Marie Koltès nos presenta a cuatro personajes diferentes, pero que tienen en común una cosa: la necesidad de no sentirse solos. Horn (Manel Dueso) es el jefe de la obra, que después de toda una vida viviendo de un país a otro y habiendo conseguido pasar de operario oprimido a responsable, hace balance de su vida en términos de opresión y soledad. Ahora que se quiere retirar ha decidido casarse con Leo (Meritxell Calvo), con quien se ha estado escribiendo y se entiende muy bien. De hecho, la trama empieza con la llegada de ella al campamento, donde pasarán unos días antes de casarse e irse a otro sitio. Leo ve en este traslado de su vida una oportunidad para conseguir aquello que siempre ha querido, sentirse arraigada a algún sitio. Lo que no sabe es que África le ofrecerá un resultado que ella no esperaba. Cal (Pep Amròs) es empleado de Horn, es la fuerza bruta y una visión de la vida que se divide entre yo y los demás, entre buenos y malos. Racista, misógino y muy temperamental, es el personaje más claro y más oscuro de la producción. Alboury (Ricard Boyle) es la figura que aparece entre sombras al otro lado de la valla, el hermano del muerto que no descansará hasta que le devuelvan el cuerpo. No pide explicaciones, solo quiere volver a reunirse con su familia. Pero en esta lucha expone sus miedos y visión de la sociedad, de blancos y de negros.

Con una puesta en escena muy detallada y cuidada, que ayuda al público a meterse en la historia, el texto se prevé interesante y complejo, por todos los vértices que se quieren inspeccionar. Reflexiones profundas y muy intensas, con personajes que se odian desde el primer momento (Cal), con otros con quien sientes empatía (Alboury) y unos que navegan ante ti en una constante indecisión vital (Horn y Leo). Escoger un texto de esta magnitud y hacerlo interesante y ameno, al mismo tiempo que no pierda los matices de su peso y reflexión en temas importantes, es muy difícil. Aquí Roberto Romei consigue con su dirección encaminar bien la obra, pero no evita que en cierto momento la espectadora empiece a sentir el texto denso y demasiado largo. Quizás eliminar algunos pasajes o haciéndolos más ligeros en la puesta en escena ayudaría a que el público no pienso en cuánto y qué queda por explicar.

Interpretaciones sublimes, especialmente la de Amròs a quien se agradecen los matices de cada gesto de Cal, el narcisismo se convierte en desesperación en una evolución de personaje natural y muy real.

De la puesta en escena, tengo que destacar la parte audiovisual de la narración: un corazón latiendo en el fondo en cada cambio de escena, los sonidos y las músicas ambientales, la iluminación y las proyecciones reflexivas de los personajes. Todos estos detalles crean un marco muy interesante que elevan de manera exponencial la narrativa.

Siempre es un riesgo y un privilegio atreverse a hablar de temas complejos e incómodos ante el público. Exponer historias divertidas o ligeras cuenta con un margen de seguridad que otros no tienen. En el teatro hay cabida para todas las temáticas, pero es muy interesante ver las que soportan estos inconvenientes. Y esta es una de ellas.

Combat de negre i de gossos de Bernard-Marie Koltès amb direcció de Roberto Romei és la història d’un africà mort a mans del seu cap que ens acara a l’opressió que ha estat motor del colonialisme i que encara és present a la nostra societat, on la violència que exercim ens obliga a viure en la por i en un exili permanent.

Una obra molt política i a la vegada molt humana. Sobre la por del personatge sobre un problema, i com enfrontar-se. A més crea una capacitat de violència davant la incapacitat per poder sortir-ne. Parla d’una part política però no dintre de l’estat, sinó un enfrontament polític a escala humana.

Aquesta obra és un relat força dur sobre els oprimits i opressors. Entre els africans i els europeus, negres i blancs, treballadors i caps. Aquest cop és una persona que vol recollir el cadàver del seu germà (no queda gaire clar si és un germà sanguini o de poble). A partir d’aquesta premissa, veiem que el cap de l’obra a més de ser un home trist a més és impotent. Tots els personatges tenen contrastos. El treballador que és l’assassí, una persona violenta i sense escrúpols i per tancar aquest pòquer d’asos tenim la noia europea que arriba a l’Àfrica i és molt fràgil.

El Koltès parla de problemes humans però a través dels personatges. Del que senten i del que pateixen per part de la societat. Segurament, el millor és que veiem que el personatge de Manuel Dueso en el seu univers, en el seu cercle i no com la part més racista del que pateix.

L’espectacle crida molt l’atenció. L’escenografia amb aquesta mena de gàbia amb una taula, un sofà i quatre elements més, amb l’exterior totalment fosc i que sempre veiem la presència inquietant del personatge de Ricard (Alboury) entre llums i foscor.

El ritme intens que no decau en les quasi dues hores que dura l’obra. Els personatges aconsegueixen tenir aquells moments de fragilitat, de desorientació, d’infelicitat i desesperació en cada moment. Tot l’espectacle és brutal i amb moments força durs.

Podeu veure la resta de la meva opinió al següent enllaç.

Dice Roberto Romei en el programa de mano que «África es aquí y África somos nosotros». Según él, esta obra escrita por Bernard-Marie Koltès el 1979 sigue reflejando actualmente la opresión y explotación de nuestro mundo, así como la incapacidad para tomar responsabilidades como sociedad. En Combat de negre i de gossos tenemos tres maneras diferentes de vivir el continente africano, o cualquier otro continente -real o metafórico- que sea objeto de sumisión: a través de la violencia, a través de un diálogo lleno de mentiras y trampas, y a través de la pena y la malentendida conmiseración. Se trata de un texto que, como en otros muchos del autor, sobrepasa el realismo y se adentra hacia la verdad con un lenguaje poético y cargado de simbologías. Un texto difícil para los actores, con muchas repeticiones, largos parlamentos y fragmentos que se tienen que saborear muy bien para extraer toda su carga emocional.

La dirección de Romei es efectiva a ratos, sobre todo a nivel formal, pero quizás deja excesiva responsabilidad a los actores. Hay fragmentos que no parecen muy trabajados, o demasiado bien entendidos. No es fácil hacer Koltès, ni tampoco entender todos sus mensajes, pero un exceso de crispación o cierta carencia de matices en algún caso tampoco ayudan mucho. Aun así, los actores se esfuerzan y luchan para hacer llegar al espectador la oscuridad y la violencia de un pequeño rincón de África ahogado por la tiranía de una constructora francesa. Una buena oportunidad para redescubrir una obra que ya fue adaptada el 1988 por Carme Portaceli, con Emma Vilarasau i Andreu Benito al frente del reparto.