El zoo de vidre

El Zoo de Cristal es una de las obras más emblemáticas de Tennesse Williams, además de las más personales al estar inspirada parcialmente en su propia biografía. Se trata de un drama cotidiano, donde los sueños, los recuerdos y los anhelos de los personajes entran en constante conflicto con la realidad que los rodea. La construcción de los personajes es posiblemente uno de los principales valores de la obra, mostrando unos seres frustrados pero que se niegan a perder la esperanza, cosa que nos hace empatizar con ellos y con su lucha desde el primer momento.

El autor ideó esta obra como una propuesta expresionista, tratando de alejarse del realismo. Aseguró que era una obra compuesta de recuerdos fragmentarios y la directora Martina Cabanas Collell aprovecha esta idea para proponer una obra a forma de ensayo. El protagonista, que también es narrador, interpretado por un gran Roger Torns, nos da la bienvenida al teatro y señala que estamos en un ensayo mientras el resto de personajes llegan o se estiran en escena.

A lo largo de la obra Torns también manipula las luces o las proyecciones en directo, mientras alterna su rol de narrador, de personaje y de actor, entrando y saliendo del espacio diegético al principio. Este recurso teatral resulta de gran interés y genera una sensación de que esta vez veremos algo más que una representación clásica del Zoo de Cristal, pero desafortunadamente se queda ahí. La idea metateatral no se recupera a lo largo de la representación, que se cierra como una obra de teatro al uso.

Aunque no cumpla del todo con lo prometido, el trabajo de las interpretaciones es remarcable, así como el trabajo de iluminación y la puesta en escena. Por eso, a pesar de las expectativas incumplidas, es una buena oportunidad para ver en escena uno de los grandes clásicos del autor norteamericano.

¿Hacer lo que se espera o dejarse llevar por el deseo y la pasión? ¿Conformarse y desarrollar un papel ya marcado o salirse del camino? Tantas preguntas que acaban formando el futuro de una persona y el destino de sus relaciones. Y nunca se sabe si se acierta con la decisión… hasta que es demasiado tarde.

En esta versión del cásico de Tennessee Williams, Martina Cabanas presenta una adaptación con un tono bastante diferente. El inicio no es el esperado, con los personajes ya en medio de la batalla, sino que se nos presenta como el posible ensayo de la representación de la obra. El director de la obra, que será el narrado en escena, introduce al público en aquello que verá y da paso a los y las intérpretes. Y de repente la escena se encuentra con una familia de los Estados Unidos que sufre las consecuencias del crac del 29.

El texto va desgranando los anhelos y las preocupaciones de los personajes sin pretensiones, simplemente los expone en voz alta para contextualizar a la espectadora en la realidad en la que viven. Ágil y con ritmo, la narración es natural, aunque en algún punto, hay momentos en que haría falta rebajar la intensidad de los personajes para acabarlo de hacer real. En estos momentos, no acaba de quedar claro si es la intención de la dirección para mostrar que en realidad se está viendo el ensayo de una representación o no.

Laura Conejero, como la madre luchadora, llena todo el escenario con su pasión y entrega. De la misma manera, Roger Torns encaja a la perfección con el papel de narrador e hijo cambiando de perfil y de actitud cada vez que es necesario.

Es una propuesta interesante y entretenida, que explora un texto muy fiel al retrato de la época. Sim embargo, no queda claro si esta versión de “ensayo” acaba de funcionar. Una herramienta narrativa que al principio es muy presente, pero que al final se olvida y parece que nunca haya estado presente, dejando sin concluir la producción de manera redonda.

Cuando Josep Maria Pou dirigió su versión de la obra de Williams –concretamente, en 2014- ya comenté que esta era una de las piezas más delicadas y bellas del autor norteamericano. Una pieza que no ha envejecido tanto como otras suyas, y que sobrevive al paso del tiempo por ser un pequeño drama doméstico, cotidiano, con personajes que entendemos y comprendemos desde su primera aparición. Evidentemente, sigue siendo una obra supeditada a un marco temporal, a una época concreta, ya que si no algunas actitudes de los personajes no se podrían entender del mismo modo. Esto puede restar interés a algunos espectadores, pero si te dejas llevar por lo que sienten los personajes todo resulta mucho más fácil.

No sé si por esta terquedad de querer acercar siempre los clásicos al momento actual, el montaje de Martina Cabanes empieza como un ensayo a tiempo real. Al poco de entrar a platea ya vemos a actores que calientan y recolocan parte del mobiliario, que no son más que piezas sueltas y troceadas de lo que un día puede llegar a ser una escenografía completa. Aparecen después los actores que faltan, alguno busca el texto que se dejó el día anterior, hacen preguntas sobre el ensayo –suponemos que ensayo general- que tienen que hacer a continuación, se preparan… y finalmente empiezan. Esta idea, que en un principio aporta cuatro datos sobre Tennessee Williams y el contexto del estreno de la obra, parece que nos conducirá hacia un camino nuevo e inexplorado hasta ahora en las representaciones de El zoo de cristal. Pero no… no acaba siendo así. Una vez empieza la función la idea se olvida, y exceptuando la recolocación manual de algún foco todo sigue los cánones habituales. No sabemos si habría estado mejor o peor explorar el tema del ensayo, pero no entiendo entonces el porqué de un inicio que promete lo que después no será…

Centrándonos ya en la función en si, hay que decir que Cabanes pone todo el valor en las interpretaciones y en los pequeños detalles. Esta es, sin duda, una obra de pequeños detalles. En este sentido, cobran importancia todas las escenas a la luz de las velas y todo lo que tiene que ver con las frágiles y metafóricas figuritas de cristal. Laura Conejero despliega todos los recursos que ya le conocemos y nos brinda una Amanda que juega a hacer de actriz sofisticada; una Amanda con cierto sabor a diva venida a menos. Clara Moraleda crea una Laura delicada y tierna, pero quizás un poco demasiado exagerada a nivel gestual. Roger Torns hace un Tom bastante creíble, mientras que a David Anguera quizás le faltan años o un poco más de experiencia para que conectemos del todo con Jim O’Connor, un personaje corto pero complejo y determinante en esta historia.

Creo que a pesar de algunos pequeños desajustes, esta versión conserva la magia de Williams. Solo por eso ya merece la pena rememorar o descubrir un texto que aparece por nuestra cartelera muy de vez en cuando.