Dinamarca

Pere Arquillué és Hamlet; Imma Colomer, la seva mare. Dos titans representant dues grans figures en temps actual. Hamlet prefereix llegir diaris anglesos, perquè les notícies dolentes vinguin de lluny. La mare, la reina de Dinamarca, prefereix dormitar al sofà de casa, aliena a tot allò que passi fora de casa seva. Té el segon marit, l'oncle de Hamlet, en una residència, i la carta que llegirà en què li diu que el visiti serà l'única acció de l'obra Dinamarca.

Aneu-hi amb la idea de veure com dos dels nostres millors actors dialoguen una conversa absurda, que Hamlet vol que sigui absurda, perquè no ha perdonat mai a la mare que es casés amb el seu oncle, que és qui havia matat el pare. Tampoc no ha perdonat que la mare confongui tant pare i oncle: ell té lleialtat al seu pare, però la mare els confon. Creu que a tots dos els agradava el mateix.

Una obra escrita per la dramaturga Lluïsa Cunillé, que entreté durant una hora i mitja, i a la qual no se l'ha de buscar més significat que el que us dic: dos grans actors representant unes figures adolorides pel seu passat i que estan condemnades a acceptar-se malgrat que el fill no perdoni mai.

Dinamarca sitúa al espectador frente a una escena aparentemente sencilla: una madre y un hijo comparten un piso modesto en Copenhague. Ella es mayor, arrastra el cansancio de una vida que ya no ofrece mucho margen. Él ha vuelto o no ha terminado de marcharse nunca del todo, atrapado en una existencia frágil, con más pasado que futuro. A partir de ese vínculo tenso, incómodo y lleno de zonas oscuras, Lluïsa Cunillé construye una obra seca, precisa e inquietante, que evita cualquier facilidad sentimental.

El punto de partida puede hacer pensar en una historia familiar de difícil convivencia, pero la obra avanza hacia un territorio más ambiguo. Lo que pesa entre estos dos personajes no es sólo la pobreza, la dependencia o la soledad, sino una culpa antigua, una herida que nunca se explica del todo y que, justamente por eso, gana fuerza. Cunillé trabaja muy bien ese espacio de suspense moral. No lo da todo masticado, no convierte a los personajes en víctimas transparentes ni en monstruos evidentes. Les deja hablar, callar, esquivarse y atacarse, y en ese movimiento va apareciendo una forma muy particular de violencia.

El texto establece un claro diálogo con el universo de Hamlet, pero lo hace sin convertirse en una relectura decorativa del clásico. Dinamarca ya no está aquí un reino marcado por la corrupción y el crimen, sino un interior pobre, casi gastado, donde la tragedia ha perdido la apariencia noble y se ha vuelto cotidiana. Esta operación es uno de los aciertos de la obra: trasladar una materia trágica a escala doméstica, sin grandes discursos ni escenas grandilocuentes. Cunillé escribe con frases cortas, con silencios significativos y con un humor oscuro que aparece cuando menos se espera.

La dirección de Albert Arribas acompaña a esta escritura sin querer suavizarla. El montaje no busca hacer a los personajes más amables ni explicarlos psicológicamente hasta agotarlos. Por el contrario, sostiene la incomodidad, respeta los huecos del texto y mantiene una tensión escénica muy controlada. La puesta en escena tiene una calidad casi quirúrgica: cada pausa, movimiento y distancia entre los cuerpos contribuyen a definir la relación entre madre e hijo.

Imma Colomer y Pere Arquillué asumen este duelo con gran precisión. Colomer compone una madre dura, lúcida, vulnerable sólo a trompicones, nunca reducida a una figura tierna o compasiva. Arquillué da al hijo una presencia rota, entre la lucidez y el abandono, entre la necesidad de cariño y un rencor que no sabe dónde colocar. Lo mejor de su trabajo es que ninguno de los dos fuerza la intensidad: dejan que el malestar circule por debajo de las palabras.

La trayectoria de Cunillé, una de las autoras esenciales de la dramaturgia catalana contemporánea, ayuda a entender la singularidad de la propuesta. Su teatro a menudo parte de situaciones reconocibles para llevarlas a espacios extraños, donde la realidad parece ligeramente desplazada. También resuena una manera de hacer vinculada a compañías y proyectos que han defendido un teatro de autor, poco complaciente y atento a las zonas menos visibles de la experiencia humana.

Los elementos técnicos desempeñan un papel determinante. La escenografía dibuja un espacio cerrado, empobrecido, sin mucho aire, que condiciona la forma en que los personajes se miran y se mueven. La iluminación refuerza esta sensación de desgaste, mientras que el espacio sonoro introduce una tensión sutil, como si algo exterior o antiguo presionara constantemente la escena. El vestuario y los objetos completan un mundo sin adornos, coherente con la dureza del texto. Las entradas y salidas y la laxitud de las fronteras escenográficas es interesante y contribuye a la sensación de desencanto y dejadez. Sobra, quizás, la aparición de una técnica como licencia, que permanece presente de forma excesiva y estorba la atención de la escena.

Dinamarca es una obra recomendable para espectadores dispuestos a entrar en un teatro exigente, de atmósfera densa y palabra precisa. No busca emocionar de forma inmediata ni ofrecer respuestas cerradas. Su fuerza es otra: dejar que la tragedia aparezca sin levantar la voz.

Lluïsa Cunillé sitúa la acción en Copenhague rompiendo la imagen que tenemos de sociedad acomodada. En un piso de una precariedad absoluta una madre y un hijo viven de la nada, ni del presente ni de los recuerdos ya que ambos divergen en la forma de guardarlos en la memoria. Es una situación tan extraña que puede pasar de todo y te esperarías cualquier cosa, pero utilizando el recurso de las tragedias griegas en las que nos presentan el final desde el principio, al público le permite no esperar nada sino gozar de un texto cargado de silencios y de frases cortas, lentas y significativas que las podríamos situar en el teatro del absurdo en el que Godot nunca llega. Aquí nunca llega una salida que deben hacer para visitar a un tío. Es tan curiosa la situación que mantiene el interés todo el rato e incluso es cómica en muchos momentos.

Como Decadencia de Berkoff, la obra está llena de contrastes, contradicciones, odios escondidos, relaciones patológicas. Madre e hijo juegan con el lenguaje, con el pasado, con las pequeñas conversaciones familiares sin sentido, con los motivos de no hacer nada. ”los mayores juegan para olvidar, los niños juegan para vivir”.

Albert Arribas dirige con gran acierto esta obra curiosa y extraña pero tierna y nostálgica apoyada en una escenografía de Silvia Delagneau que de fría y pobre se va transformando en un espacio aristocrático gracias a recursos curiosos y originales que simulan espacios fantasiosos.

Pere Arquillué e Imma Colomer son los mejores intérpretes para una obra aparentemente sencilla pero cargada de matices que la hacen difícil. Vale la pena verla.