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Bailando con Pere Faura, el coreógrafo sin estilo

26 marzo 2015
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Pere Faura volvió de Amsterdam hace tres años, cuando todos los jóvenes optaban por irse. Aunque allí tenía trabajo, se había formado y había encontrado su manera de entender la danza, creyó que, a pesar de las dificultades, era momento de estar aquí. Con 34 años y una apariencia que poco concuerda con los estereotipos de bailarín-coreógrafo, Faura destila optimismo, hace bandera de su humor y la ironía plana en todo lo que hace y su manera de comunicarse.

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Nos acercamos un sábado por la tarde en el Mercat de les Flors. Pere Faura imparte un taller de cuerpo dentro la programación de la escuela de espectadores que organiza Agost Produccions. Es una buena oportunidad para verlo en acción fuera del escenario. Hay una cuarentena de personas dispuestas a dejarse ir, bailar y, sobre todo, jugar a partir de sus indicaciones. Comienza sin preámbulos, todos a correr, a moverse. «Venga, a chocar, ostia! Basta hippismo«. No se lo está mirando desde fuera, él también se pone en medio de la gente. Es difícil saber en qué pensaban estas cuarenta personas antes de entrar, pero muy fácil ver cómo las caras y los cuerpos se destensan rápidamente. Su carácter ayuda. «Disfrutad de los cuerpos; ¡no tocaréis tanta gente en todo el día!»

«Lo que hago es pasar del desmadre de la disco a la conciencia»

Después del calentamiento, primer ejercicio. Poca explicación. Cambio de música. «Bailad como lo haría en la disco». La energía sigue subiendo. Una vez suelto, ahora toca agrandar los movimientos; seguir bailando, pero haciendo que el pequeño gesto se convierta en uno mucho más grande. Poco a poco Faura haciendo tomar conciencia del cuerpo y los movimientos. «Lo que hago es estudiar el desmadre de la disco para pasar del divertimento del freestyle en la conciencia», nos explicará después. Antes, otro ejercicio: se debe convertir el movimiento de un animal en una coreografía para la disco. Y sí, es posible. El movimiento del pingüino puede dar mucho juego! De hecho, esta es una parte esencial de su danza y una de sus obsesiones como coreógrafo: jugar con cosas que ya existen, que se han hecho, trabajar con géneros que forman parte de la memoria colectiva con el fin de revisarlos, diseccionar los mismos y ponerlos en escena nuevamente. «Soy un coreógrafo sin estilo», repite riendo pero convencido, «hay coreógrafos que han explorado mucho su manera de moverse y son unos cracks en un mismo lenguaje; yo no tengo un estilo propio, me lo copio todo. El estilo no está en el movimiento, sino en la construcción, en la coreografía, en la memoria colectiva, al evocar siempre lo que la gente conoce. Me apasionan estos elementos de cultura popular que no forman parte de la alta cultura, pero que todos compartimos. Todo el mundo ha visto algún musical, ha ido a la disco o ha mirado porno, aunque no lo admita!».

Faura cree que de esta manera se consigue una interacción con el público mucho más fuerte porque se abre un canal directo con su propia memoria. Como se representa, en cambio, le es absolutamente igual. «No me gustan las etiquetas: me muevo en las rendijas que hay entre la danza, la performance y el teatro. Puedo hacer un monólogo sólo de texto, estarme 15 minutos con el hula hoop como en Bomberos con grandes mangueras, o puedo hacer un espectáculo muy bailado como es el Sin baile… Cada espectáculo genera su propio vocabulario». Eso sí, su manera de revisarlo tiene una constante: la ironía y el humor. «Los recuerdos son sagrados y precisamente por eso nos debemos permitir el lujo de reírnos de ello. Desdramatizar los mismos nos ayuda a vivir el presente de manera más ligera y entender mucho mejor lo que es importante para uno mismo».

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«Se acabó bailar solo»

En general, sin embargo, las tenemos bien interiorizadas, las etiquetas. Una vez hemos tomado conciencia del cuerpo y los movimientos de los animales, ahora hay que convertirlos en un espectáculo de danza contemporánea. «Venga, ahora ya no esté en la disco, estáis el Mercat de les Flors, en el escenario». ¡Cómo cambia la actitud! De vez las caras se ponen interesantes, con afectación, trascendencia, una mirada más perdida… «La alegría se acabó… ¡Me fascina este cambio!», dice socarrón Faura. A partir de aquí, el taller comienza a adentrarse en la visión del coreógrafo. Ya no se trata sólo de bailar, sino que, primero en parejas, después por grupos, seamos capaces de memorizar coreografías.

Cuando termina el taller, hablamos de eso de bailar solo, de ser el coreógrafo y el bailarín vez… Y entonces lo suelta: «te voy a decir una cosa: se ha acabado bailar solo». Sin baile no hay paraiso es la culminación de una tendencia que ha seguido durante muchos años: bailar solo y bailar referentes de la danza. Cristaliza lo que ha ido aprendiendo, dice, y lo que ha hecho en los otros espectáculos, pero ahora le apetece explorar, trabajar con otra gente. «En grupo se crean sensaciones imposibles de alcanzar en solitario: unen imaginarios, un tira y afloja… Me he pasado mucho tiempo haciendolo todo -baile, edición de la música, el vídeo- pero cuando encuentras el equipo adecuado el espectáculo alcanza un nivel, una calidad y perspectivas a las que tú solo no habrías llegado». Y eso es lo que quiere hacer a partir de ahora porque -vuelve a reír- «solo estoy un poco agotado». Y tiene ganas de hacerlo como siempre lo ha hecho, mezclando disciplinas: danza, texto, música, canto, audiovisuales. «Me gusta mucho la fusión de diferentes lenguajes, no como un mero canto a la multidisciplinaridad, sino como medio para alcanzar diferentes niveles de significado. Mezclando diferentes disciplinas todo adquiere un grado de complejidad más elevado».

Hay otra cuestión, la económica. «Cuando volví de Amsterdam, hace tres años, la crisis estaba en su peor momento, todo el mundo decidía marcharse del país. No tenía mucha otra opción que hacer solos para poder producir algo pequeño con poco dinero y poder mover». Esto no quiere decir, sin embargo, que fuera el único motivo. «Me apasiona ver un tío solo en escena y como consigue estar 20, 30 o 60 minutos, lo que sea, captando la atención del público y ver qué estructura sigue para hacer que la atención no decaiga». De hecho, el espectáculo que presenta en el Mercat de les Flors es una revisión de cuatro solos que han marcado su carrera y también un reflejo de lo que él, como coreógrafo, ha querido aportar a la danza. Son cuatro solos de disciplinas muy diferentes (clásica, contemporánea, disco y musical), a los que, «aunque a nivel social no tengan el mismo valor», él lo reivindica.

¿Por qué estos solos? «Llegué a la danza un poco por casualidad, primero pasé por el Institut del Teatre y los musicales. Por tanto, Singing in the rain viene de aquí. Además, hice de profesor de claqué y me marcó mucho. La muerte del cisne representa mi paso por la danza clásica. Es un fragmento que me gusta muchísimo, porque es muy simple pero muy complejo a la vez. Con Fase descubrí la danza contemporánea minimalista. Esta estructura repetitiva de la coreografía, el hacer maravillas con muy pocos elementos me fascina. Y John Travolta es mi paso por la disco«.

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«Amsterdam cambió mi razón para bailar»

Tras oírlo hablar tanto de revisión de trayectoria, de recordar los referentes, oírlo decir que cada vez baila peor el claqué o la danza clásica, uno no puede evitar decirle: ey, ¡que sólo tienes 34 años! Él se ríe, pero también se defiende. «Sí, pero el año que viene hago 10 años de compañía, ¡y reflexión es muy necesaria! Mi formación en Amsterdam está muy marcada en entender que la danza va más allá de mi disfrute para bailar». Esto es lo que le transmitieron en la School for New Dance Development y lo cambió absolutamente. «Ya no servía sólo bailar para que los demás digan que lo haces bien, sino que había que tener un discurso, un compromiso con el público para que después de cada pieza se fuera con una sensación suya, no tuya. Tenías que hacer que el público saliera pensando en que le has dicho, no qué bien que lo haces, sino pensando en que le has evocado, o como se ha emocionado en relación con lo que has hecho». Y eso, dice, le ha quedado grabado. «A pesar de la banalidad de los temas que he estado haciendo, a pesar de que explique chistes, me lo tomo muy en serio. Quiero encontrar nuevas maneras de hacer teatro y conectarlo con el público».

Texto y fotos: Mercè Rubià

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