Atalaya: Rey Lear

Aquest cop tornem al Teatre Romea a veure a la companyia andalusa Atalaya. Aquests dies s’ha presentat diferents obres de la companyia i avui toca “Rey Lear“. Tot i ser una companyia que he descobert avui, porten 36 anys els diferents ciutats de tots els continents.

Si no vaig errat, és el primer muntatge que veig d’aquesta companyia andalusa Atalaya. Amb una llarga trajectòria ens presenta aquest Shakespeare que m’ha emocionat força. Un total de 5 actrius i 4 nois interpreten als personatges principals d’aquesta obra, a més d’un desdoblament per realitzar la part del cor.

Va ser un muntatge que vaig gaudir-ne, hi ha moments intensos que amb el cor d’actors, amb els sons i les llums i ombres queden magnificats en la seva globalitat. El treball dels actors convincents, amb alguns moments que et descol·locaven per la seva intensitat.

Per a molts, segurament és el primer Rey Lear interpretat per una actriu. Vaig tenir la sort de poder veure a Núria Espert fa uns anys i ja vaig sortir convençut que no hi ha cap problema amb aquest canvi de gènere entre els personatges i el treball actoral. Fins i tot per aplaudir-ho.

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Teniu unes quantes setmanes per anar a veure’ls, però per si de cas tornem als confinaments comarcals no deixeu per demà les obres de teatre que podeu veure avui,

El Rey Lear es una de las principales tragedias y de las más famosas de William Shakespeare. Como decía Lluís Pasqual antes de la representación que dirigió en 2015, “el Rey Lear es la catedral del teatro. Si la Pasión según San Mateo representa toda la historia de la música, en el Rey Lear se reúne todo el teatro de la humanidad”.

El tema principal del Lear es la ingratitud filial pero también la vejez, la locura y el poder. De manera intercalada se añade la historia de Gloucester y sus hijos que incorporan a la trama los sentimientos de celos, ambición y destrucción. En el Rey Lear encontramos todos los tipos de drama académicos: de acción, de personaje y de ambiente. Saber introducirlos y tratarlos todos adecuadamente es el trabajo del director y dramaturgo, Ricardo Iniesta que lo consigue con una sencillez y efectividad notables, pero, si bien se agradece el acortamiento de una pieza originariamente tan larga, se eliminan parte de la riqueza del diálogo y se ha optado por un excesivo movimiento y un ritmo frenético resultando a veces abrumador e incluso monótono en alguno de sus pasajes.

La compañía andaluza Atalaya con una larga trayectoria en teatro de investigación presenta este Shakespeare con una lectura contemporánea y una interpretación actual al tiempo que fiel al texto y a los tres dramas citados.

El trabajo actoral de todos es cuidado y preciso aunque me gustaría destacar a Marga Reyes que interpreta el difícil papel de un rey Lear ofuscado, obtuso, cruel y dolido hasta la locura. Aun siendo un personaje potente, poderoso y muy masculino, es interpretado por una mujer. Hasta bien entrado el siglo XVIII y por la influencia de las prohibiciones de la iglesia católica, las mujeres no podían exhibirse en el escenario. Hace seis años el rey fue interpretado por Núria Espert. En ocasión de aquel Rey Lear, Lluís Pasqual dijo: “Después de la primera frase, la magia del teatro hace que no veamos a la mujer sino al Rey Lear. Es un papel difícil tanto el texto como el movimiento y Marga Reyes se encuentra cómoda y va creciendo a medida que transcurre la obra. También brilla en el escenario el bufón Lidia Mauduit, omnipresente en muchas escenas y contrapunto del pensamiento del Rey.

La escenografía es atrevida y exuberante e intenta dar sentido a los diferentes momentos y escenarios de la pieza. La composición musical de Luis Navarro es una música rítmica, de cadencia monótona con una percusión medieval anticipatoria de la tragedia que sobrevendrá. Bienvenido un Shakespeare tras, o durante todavía, la pandemia.

El rey Lear está tan seguro del amor y la adoración de sus tres hijas hacia él que apuesta toda esta creencia en una idea: pide a cada una que confiesen cuanto lo quieren, según lo que digan repartirá su poder y sus tierras de manera proporcional. Las dos más grandes se deshacen en elogios y amor de palabra hacia su padre y la pequeña, que no quiere mentir, le dice que lo quiere como hija que es. La última respuesta no le satisface y, enfadado, decide desterrarla y repartir su reino entre las dos aduladoras.

Así empieza una de las obras más conocidas de William Shakespeare y en esta ocasión la compañía Atalaya lleva al escenario una producción ambiciosa y potente, marcada por la escenografía y el montaje escénico. Luces, sonidos y puesta en escena son el reclamo principal de este texto tan representado a lo largo de los años.

La estructura de la producción también queda marcada por los momentos musicales, con cantos tradicionales, en formato coro, de los intérpretes que se encuentran en el escenario. Se trata de momentos de calma o exaltación, según es necesario para la narración.

Todo el montaje tiene los elementos necesarios para ser una gran producción atractiva para el público, pero tiene una carencia y es la falta de naturalidad en la interpretación de los versos del bardo. Las actuaciones, marcadas desde la visión de la obra que tiene la dirección, son muchas veces sobreactuadas y sobreexpuestas marcando con cierta exageración el drama descrito en el texto. Las palabras son suficientemente punzantes como para impostarlas añadiendo artificio en su puesta en escena.

Es una obra que augura un placer escénico, pero que se queda a medio camino por esta decisión interpretativa, dejando un gusto agridulce al público.

Rey Lear son muchas obras dentro de una sola. Para muchos, es una especie de Biblia o incluso, como decía Pasqual, «la catedral del teatro». La compañía Atalaya, bajo la dirección del siempre eficiente Ricardo Iniesta, ha optado por reducir el texto y dejarlo en unos 100 minutos. Por un lado, se agradece la reducción en estos tiempos de pandemia sin descanso, pero por otro lado se pierde parte de la poesía del texto, y la Biblia de la que hablábamos queda excesivamente troceada. De hecho, Lear pierde protagonismo y la historia de Gloucester y sus hijos la gana hasta convertirse casi en el eje de la trama. Además, la sucesión de muertes de la parte final se reproduce a una velocidad que incluso puede resultar cómica para quien no la ve venir… Pero, a pesar de todo esto, el espectáculo tiene otras muchas virtudes que ahora pasaremos a analizar…

Lo que más destaca de esta producción de la compañía andaluza es su parte estética. Podríamos decir, en este sentido, que estamos ante un montaje modélico, en el que la sencillez y una perfecta ejecución se convierten en protagonistas. Solo con unas cuántas mesas o tarimas y un cuidadoso trabajo de iluminación se muestran, de forma bellísima, todos los escenarios de la pieza. También juegan un papel importante la música y el vestuario, consiguiendo un envoltorio que ayuda a las escenas importantes y que refuerza los efectos y las partes más dramáticas.

En cuanto a la parte interpretativa, Iniesta recurre a unas interpretaciones más bien expresionistas, donde tiene mucha importancia el cuerpo, el movimiento y la parte externa. Se supone que todo esto tiene unas consecuencias en lo que sienten y viven los personajes, pero también hay que decir que algunos actores lo consiguen y otros se quedan en el intento. Tal como ya pasaba en Madre Coraje, vista hace pocos días, destacan por encima del resto Marga Reyes y Lidia Mauduit como Lear y el Bufón, respectivamente.