Llevar a Permagel a escena implicaba afrontar una dificultad evidente: cómo teatralizar una novela que vive, sobre todo, en la intensidad de su voz. El resultado no opta ni por la simple fidelidad narrativa ni por una relectura, sino por una tercera vía mucho más interesante. La palabra se convierte en materia escénica y la interioridad hace acto de presencia. Es aquí donde el espectáculo encuentra su verdadera fuerza.
El texto original de Eva Baltasar, que situó a la autora en un lugar central de la narrativa catalana contemporánea, sigue impresionante por su capacidad de hacer convivir dureza y precisión casi poética. Baltasar, que venía de la poesía, trasladó a la novela una escritura cortante, condensada y muy física. En Permagel, la protagonista observa al mundo con una lucidez que no busca agradar ni justificarse. El texto pone sobre la mesa deseo, ideación suicida y una relación conflictiva con la familia, y revienta la misma idea de vida normativa. Desmonta convenciones familiares, afectivas y sociales perforando sin esforzarse en argumentar. Y ésta es una de sus grandes virtudes. El libro recibió reconocimientos merecidos, como el Premio Llibreter de Literatura Catalana y el Premio Ojo Crítico de Narrativa, además de ser finalista del Médicis Étranger, que reconoce anualmente las mejores obras extranjeras traducidas al francés.
La adaptación escénica recoge esta calidad y entiende que el reto no es contar una historia, sino preservar una temperatura. El trabajo dramatúrgico de Victoria Szpunberg y Albert Pijuan no domestica el material, ni lo hace más amable. Al contrario: retiene la espina, la ironía, la violencia seca, y sabe dar a la palabra el movimiento necesario para que lo que en la novela es pensamiento aquí se convierta en conflicto vivo. La adaptación, todo un reto, es inteligente sobre todo porque no rompe la singularidad del texto de origen, pero tampoco se le somete.
La dirección de Szpunberg aporta una mirada especialmente adecuada. Su trayectoria, siempre atenta a los desplazamientos íntimos, a las fragilidades que no se presentan como debilidad sino como forma de resistencia, la convertía en una elección casi natural para habitar en este universo. Aquí trabaja con contención, con un gran respeto por el material y una confianza ciega en la intérprete, evitando cualquier exceso demostrativo. El montaje no busca subrayar la herida, sino que la deja aparecer. Esta contención es probablemente una de sus decisiones más acertadas.
Maria Rodríguez Soto asume el peso del montaje con una admirable seguridad. Con una trayectoria sólida en escena y ante la cámara, y después de años demostrando una gran ductilidad interpretativa, aquí da un paso especialmente expuesto. Obra un verdadero prodigio interpretativo al protagonizar sola una pieza que depende del ritmo interno, del matiz y de la capacidad de sostener el lenguaje sin caer ni en el énfasis ni en la neutralidad. Su composición es precisa y porosa a la vez. No convierte a la protagonista en un símbolo ni en una víctima, sino en una conciencia viva, contradictoria y cortante.
También los elementos técnicos juegan un papel determinante. La iluminación, tratamiento sonoro, espacio y recursos visuales no operan como decoración, sino como extensiones del clima mental de la obra. Todo contribuye a construir una sensación de aislamiento, tensión subterránea, opacidad emocional. El título, en ese sentido, nos pone en situación. El permagel es la capa dura que protege y preserva, pero al mismo tiempo inmoviliza, impide sentir y moverse en libertad. El espectáculo entiende muy bien esa ambivalencia y la convierte en forma.
El resultado es una propuesta exigente y limpia, que obliga a escuchar una voz que incomoda porque dice lo que a menudo queda fuera del relato compartido. Y es precisamente ahí donde reside su potencia. Un trabajo admirable y valiente, dentro y fuera del escenario.